現在大部分的音樂會節目單或是節目冊，大多都會有附上樂曲解說 (Programme notes/program notes)，但是在最早，樂曲解說並不是音樂會的「標配」。
樂曲解說最早的雛型，其實是古典時期之前，歌劇演出時會附上的歌詞本。1830年白遼士(Hector Berlioz)在幻想交響曲(Symphonie Fantastique)的首演才真正明確的使用「樂曲解說」。
幻想交響曲總共有五個樂章，並且整首曲子講述的是一位年輕人追求愛情的故事，白遼士為這首作品親自提供了對應每個樂章的故事內容，並且表示他提供的文字解說，是他作品的一部分，他希望觀眾能先了解故事再聽音樂。
不過樂曲解說的廣泛使用還得等到1845年。或許是因為19世紀開始，音樂會逐漸變成商業行為，觀眾也從貴族以及菁英階層轉為更廣闊的不一定都接受過音樂教育的群眾，所以英國音樂評論家John Ella因為想要在多場音樂會中，演奏比較有挑戰性的曲子，像是Beethoven, Mozart, Brahms等等大師的作品，於是他認為使用樂曲解說可以解決這些大師作品比較不親民的窘況。不過他所寫的樂曲解說，比較接近樂曲分析和評論，他甚至會在樂曲解說中提供譜例。
到了20世紀，歐洲其他地區和美國也開始在音樂會中提供樂曲解說，甚至將John Ella偏向分析的這種風格，發展得更加極端，甚至有些樂曲解說會作為一篇文章或是書單獨出版。例如奧地利音樂學家 Richard Specht，他曾經出版過馬勒(Gustav Mahler)交響曲的分析；貝爾格 (Anton Berg)也有發表過關於奧地利作曲家荀伯克(Arnold Schoenberg)的大型清唱劇音樂作品《古雷之歌 (Gurrelieder)》的分析。
不過這只是比較極端的例子，大部分20世紀的作品會由作曲家本人，或是他的朋友或老師提供樂曲解說。當時也流行在出版樂譜時，在前言附上解說，可以說是樂曲解說已經是非常常見，甚至是一種行業標準。
現在的樂曲解說，相較於19、20世紀的學術分析，真的可以說是反璞歸真了。不像是19世紀詳細的分析，現在的樂曲解說更像是引導觀眾去聆聽的小抄。為了幫助聽眾能更快的和樂曲產生共鳴，樂曲解說中會使用比較多的形容詞去引導聽眾進入樂曲的情緒或情境。
但在某種程度上，這樣的引導也限制了聽眾的想像力，所以有些作曲家反對使用任何的文字引導，因為他們認為聆聽音樂是一種非常獨特的個人體驗，甚至作曲家在創作的所思所想，都不及聽眾真正感受到的重要。
所以對於樂曲解說也是見仁見智，在聽音樂會時，你會認真閱讀樂曲解說嗎?
