在逛博物館時，你有沒有注意到所有的藝術品都能放進博物館，唯獨音樂本身不行，因為音樂是時間的藝術，你沒辦法保留時間，你只能保留時間存在過的痕跡。
但是美國的音樂學家Peter Burkholder提出了一個概念，那就是museum pieces，博物館音樂。這個新概念也大概歸類了從19世紀以來，作曲家創作上心態的一種變化，也在某種程度上解釋了音樂發展的方向。
博物館的意義是作用是為了要保存和展示歷史演化過程中，值得被記住的物品，所以museum pieces其實也可以理解為，為了名留青史而創作的曲子。而音樂廳就是博物館，能被選進表演節目中的，都是經過千錘百鍊的試驗，和時間長河的洗刷，才能到今天仍然備受喜愛的經典。
但是一開始，沒有任何的藝術形式是為了被放進博物館而創作的，像是繪畫，一開始主要是為了記錄，記錄歷史、紀錄神話、或是記錄家族的成員。音樂也是如此，一開始主要都是作為教堂儀式的音樂，後來演變成貴族間社交的背景音樂，再後來音樂越來越偏向娛樂性質，不再是貴族們的專屬。以上這些轉變，雖然目的不一樣，但音樂或是繪畫被創作的動機，都是有它的「功能」。
但這些「功能」並不是永久性的，就像是為了慶祝某個國王或是大公生日所創作的曲子，在國王死後，或是過了那個時效之後，它就失去了原本的功能，而成為純粹的音樂藝術。而經過時間的淘汰，能流傳下來的曲子，就成為了所謂的「經典」。
到此為止，作曲家們創作時候並不是想著音樂要永流傳，大部分都是帶著目的創作的。到了19世紀開始，對於音樂的需求漸漸轉變成大眾娛樂的一種，而音樂家創作的心態也漸漸轉變為重視音樂存在的價值，大於完成任務的迫切感。
所以像是Brahms等一眾19世紀的音樂家，他們試圖在傳統的基礎上創作新的元素，並發展出個人特色，這也是為什麼Brahms和Liszt會在音樂的發展上出現這麼大的分歧，因為如果走別人的老路，你永遠當不了作為第一個吃螃蟹的人被歷史記住。
當然，除了創新以外，創造出個人特色，也能提高辨識，所以19世紀的音樂也常常充滿了異國風情(Exoticism)、民族音樂(Nationalism)和民謠的元素(Folk element)。
* 當然這些特色的出現並不只是因為增加個人特色的原因，每一種元素的出現都是綜合了許多原因，像是政治影響等等。
再到了19世紀末，作曲家對於寫出museum pieces的迫切感更加加重了，於是有些音樂創作的目的，並不是為了「聽」，而是作為一種「音樂論文」一樣，作曲家們探索新的創作技巧，發現新的可能，並希望這些創新能為他們在博物館中留下一席之地。像是有一些Arnold Schoenberg的作品，如果不研究譜，而光是透過聽覺而已，是很難發現作曲家的創作邏輯的。
而這也是為什麼有些人會覺得聽不懂現代音樂，因為有些音樂創作出來，是為了研究的目的，而不是為了聆聽。
再到近代，有些音樂家仍在創作技巧上探索新的可能，有些音樂家覺得創作上能突破的道路已經被探索得差不多了，所以他們想換個方向，而20世紀或是現在當代的音樂家有一個Beethoven年代所沒有的優勢，那就是科技。科技在發展的過程中，也出現了許多新型的「樂器」。像是特雷門(Theremin)，甚至是電腦音樂，都是新的聲音。有新的聲音，那就有新的可能。
要如何名留青史，一直以來都是許多藝術家的煩惱，而作為這些作品，或是實驗結果的接收方，我們也非常的煩惱，因為不像是早期藝術的那種一目了然，現在的藝術，似乎更看重創作動機。所以有時候許多人可能會想演奏或是欣賞音樂，只要感受音樂就好了，為什麼要知道背景，因為你看的，或是聽到的不一定是音樂，很有可能是一篇寫在五線譜上的論文。
